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好先生四十一集经典语录
好先生四十一集经典语句
谢邀。
周末养肥了又看了几集，我重新开贴来说一下好先生。
一 航拍二 手持三 用屏障物品构图四 镜面构图五 轴移构图六 非常规构图七 Faster and Faster八 拍摄的低角度和高角度九 暴力美学十 色彩的意向==============================
一 航拍好先生第一集给人的最大印象，就是镜头语言的丰富多样。在这当中，最直观的就是导演在这部剧中大量使用航拍镜头，一般来说，航拍镜头表现的是一种全局观和磅礴大气，交代场景，其实随着影视这两年的大跃进，很多国内的片子（比如翻译官的开版镜头）现在也会使用航拍了。但我觉得《好先生》的航拍绝对不是一味地炫技，而是隐藏了不少人物信息。
《好先生》第一镜是这个
第一镜是汽车行走于海岸边的悬崖，镜头随着主角的汽车飞速急行。
实际上好先生也有对城市景观的航拍，但它的第一镜不开在城市而是选择了一处悬崖，其实很明显是在预示孙红雷这个人物接下来要经历摇摇欲坠的命运，而不是城市里的繁荣。相对来说，翻译官扫射苏黎世城市街景，好看是好看，但对于人物和剧情并没有连接，多少有点炫技之嫌。
再来看这个镜头
讲的是刚回到国内的孙红雷去土豪王耀庆的派对，有意思的事，派对的主体却一直隐藏在画面的一个角落里，暗示上流社会的晚宴，和孙红雷的身份其实是有疏离的。至于孙红雷的身份地位，则是这部剧前几集最大的悬念了。
作为对比，在航拍有钱人王耀庆家时，就充斥了整个画面
这个航拍镜头用极其不对称的人物与画面比例，来表达低谷时孙红雷这个人的渺小与微不足道。这里的情节是，已经混成渣的孙红雷得知前女友已经和土豪哥们住在一起了，孙红雷要去单挑。在这个镜头里，孙红雷淹没在人潮中几乎难以察觉。以此来展现孙红雷力量的微不足道。
总之，好的航拍镜头绝对不是炫技，比如《肖申克的救赎》中的这个上帝视角的镜头就充满了戏剧感，暗示出人命如草芥的绝望感，以及监狱力量的居高临下的强大姿态。从而对主角下一步的行动提供了理由。再说一遍，镜头要能表达情绪甚至价值观。
二 手持手持拍摄的方式其实现在已经不算是非常先锋了，手持摄像机所造成的画面的抖动，可以增强现场感和紧迫感，在战争戏里被大量地运用。但是国内的都市剧其实用的还是比较少。最重要的原因是，长时间的手持拍摄所造成的镜头晃动，的确会让观众看得有点头晕。在我看来《好先生》还是比较节制地运用了手持拍摄。这里我注意到一个非常有意思的细节，凡是剧情中在美国发生的，大多数都是手持拍摄。而在国内的戏份，则大多数使用固定机位拍摄。这算不算一种政治正确呢？哈哈。
遭遇危机的时候抖动幅度很大，这里讲的是孙红雷在美国打拼很艰苦。
以及被白人警察找事
但哪怕是孙红雷功成名就的戏，依然有幅度比较大的抖动。这里孙红雷已经头上抹油成为成功人士，在美式的大house里求婚成功，然而这里摄像机的晃动也最厉害，这个镜头语言也就非常明显地在告诉观众，他们的关系是非常非常不稳定的。
三 用屏障物品构图用屏障物品构图，比较老的有美国电影《毕业生》里，男主角和Mrs.Robinson在发生一夜情之前的交谈，摄像机透过巴士的车窗来拍摄两人的状态。比较近的，印象比较深刻的是《一次别离》里有不少透过百叶窗拍摄的镜头。
由于障碍物的存在，原先的场景模糊了，这表示观众可以从另外的全新的角度来重新建构人物关系，甚至是完全扭曲——其实苏州园林所谓的“移步换景”，透过不同形状的小窗来看景别，也是运用了相似的审美理论。那么在毕业生里这种镜头语言是暗示两人的关系会朝着暧昧的方向发展，而在一次别离里则意味着主人公与外部世界的不可调和的矛盾。好先生也大量，不，海量地运用了这种手法。
下图是兄妹之间的不可调和的矛盾，这层涵义和一次别离的镜头涵义几乎完全相同
这里是孙红雷被车晓怒扇耳光，隔了一层玻璃，就多出了非常多的涵义，看起来是怒扇耳光，恩断义绝，但两个人关系的走向其实却是模糊的。
这里说的有点悬了，那同样还是这个导演，同样是扇耳光，江疏影扇张艺兴的耳光，就是一个普通的镜头，这说明江疏影与张艺兴之间并没有暧昧不清的关系。
这个耳光的作用就是很单纯地推动剧情，或者有可能是导演为了营销小鲜肉被打而增加的。但这个耳光其实不像孙红雷吃的这个耳光会引申出复杂的感情纠葛，所以处理起来就很简单。
写到这里顺便说一句，很多人可能就要说过度解读，其实不是的，对影视剧来说，镜头语言是非常润物细无声的，「对」的镜头会造成你身心的愉悦。比如这个，看到这段的时候我妈说这太「孙红雷」了，太像他演的余则成了。其实道理很简单，你会在很多香港警匪片里看到这类透过车窗拍摄的人物特写，隔着一层玻璃，你对角色内心的判断就会莫名的复杂起来。这部剧里就是孙红雷演的陆远在刚回国的时候遭遇感情重击，心情游移不定。非常准确的镜头表达。
我再截几个
这里除了用屏障物品构图给角色增加内心的不确定性，给观众的观看心理“加戏”以外，还使用了一些小景别增强这种不确定性，具体来说就是让人物处于一个小空间被包围起来，形成左右夹击的视觉效应，进而产生压抑感。好像最典型的还是肖申克：
接着早上的继续说~
=====================================四 镜面构图有一点看片量的影迷一定对这种构图不陌生。
对的，《重庆森林》里可以找出无数这样的镜头，通过镜面来传递寂寞的心绪，或者幻想另一个时空，暗示故事本可以行进的另一个走向。《好先生》同样如此。
在表达落寞心情时，使用了非常大量的镜面镜头。
还有几个镜头，可能成就了史上最牛逼削土豆。【笑
阴冷色调下，颜王在落寞地削土豆，遮挡物挡住了镜头，而人隐藏在杂物后，显得更加渺小、模糊。
遮挡物逐渐移开，陆远的真容终于露出，但挤在镜头边缘，暗示他就是个厨房里的边缘人，可不，厨房等级制度里最下层的可能就是配料的小工了吧。
镜头拉近，陆远的脸已经可以不入镜，因为底层真心无关紧要。镜面出现了，不同于前面几个镜面镜头，削土豆的这个镜面更加模糊且虚晃，也是对陆远当下最恰当的隐喻。
五 跟移镜头（运动镜头）
运用z轴景深来构图，加上跟移的摄像机，这种镜头其实是很有感染力的。有非常多的电影用跟移镜头来开版，比如说《霸王别姬》里张国荣入画，就是一个长长的跟移镜头，一下子进入历史。
《好先生》这段也是，先通过一个开放式镜头，一个画外延展进来的棺材，将视线定焦，强烈地暗示棺材里会有故事发生。随后关晓彤有力地走入，造成期待，这人是谁？棺椁里是什么？然后迅速切入孙红雷躺棺材里的画面，瞬间地调动起情绪——发生了什么？为什么棺材里躺活人？这一男一女是什么关系？这个镜头非常酷，我比较遗憾的是这个镜头没有作为开篇，如果这个是开头的话我给《好先生》的摄影打100分！但看得出导演还是蛮喜欢它的，这部片子的预告片用了这个开头。
下面这个也是第一集中比较唯美的一个跟移镜头。其实大家觉得韩剧唯美，除了演员颜值以外，最重要的原因就是韩剧每到强情节点时，都会在镜头语言上绞尽脑汁，跟移其实就是一个很实用的唤起情绪的技巧。
六 非常规构图之前有帖子说国剧有希望，是因为导演已经会使用黄金比例分割镜头了。其实我觉得这种说法很弱智，因为……黄金分割难道不是基本功么……哪怕是给女朋友拍照，你都必须得遵守这个原则。
其实真正让我关注《好先生》的还是它的一些非常规的构图。
之前我反复强调，好的镜头是应该在表现剧情以外传递情绪的。我们来看这两个镜头，首先这个镜头，是一个符合所谓黄金分割的常规镜头。孙红雷坐在大厦顶楼，然后镜头一拉（也是航拍），给到楼下面空荡荡的，以此来表现孙红雷的绝望情绪。
而这个镜头则完全不遵守黄金分割比例的所谓原则，你看，在这个镜头里，得知男友死讯的江疏影被安排在了屏幕的极左的一个狭小空间，在这个调度里，她唯一能走的就是这条走廊，但随后，她的哥哥就从两个保镖的中间走入画面，占据了整条走廊，虽然他是来劝慰江疏影，但其实却非常强势，语含威胁，而在构图中，就是王耀庆饰演的哥哥把妹妹所有能走的路全部堵上。与上一张常规构图的孙红雷相比，其实江疏影这个镜头的绝望气息更强，导演用镜头表达的其实就是四个字——“走投无路”。果然，接下来的戏份，就是江疏影自杀，而并无死志的孙红雷随手英雄救美。
再看这两张图
人物被压缩在小的局部空间，充满安东尼奥尼气息的构图
孙红雷那段自白结束后，关晓彤站到了一个相对舒服的所谓黄金分割的构图比例上。那么这段对白是什么呢，台词看起来特别荒诞：「我和你们这些酒鬼、烟鬼、赌徒、杂碎、妓女不一样，我只是不愿意醒着，我醒着比死去还要痛苦。」在戒酒互助会上，孙红雷作了一段告解，表达了对关晓彤父亲死去的愧疚之情，释放了他极大的痛苦，此外还表示了要将关晓彤抚养成人。所以在这段戏之后，关晓彤虽然表面上仍然犟着，但是实际上对孙红雷已经有所释怀。这里要赞一下关晓彤在喃喃「狗改不了吃屎」时候超级棒的演技，完美地将这种有点释怀有点感激，但面子上还抹不过来的情绪传递出来。
而牛逼的是，导演通过镜头把这种情绪表达了出来。
在孙红雷的这段荒诞独白开始前，关晓彤在画面的极左侧，在视觉上其实是不舒服的，加上右边排列杂乱的椅子，以及带有防备心的抱手的动作，给人一种非常不稳定的感觉。
而在独白结束，关晓彤内心对孙红雷稍微有了一些和解之后，通过一段横移运镜，最终镜头切出来是一个基本符合黄金比例分割的位置，人的动作也舒展开来，总体而言，让你的视觉感到很“舒服”。
这就是调度。
2016/06/06 AM
接着白天继续掰~~~
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七 faster and faster《好先生》镜头切换速度之快、场景变化数量之多，在国产电视剧中应该属于前列。
我以第七集为例，镜头长度短的2秒，长的也没有超过12秒。这接近电影级别了。拿现在流行的好莱坞商业电影举例，通常90分钟的电影，镜头数在1500-2000个。快速的镜头切换，模拟了动物紧张时候的快速眼动，能够提升观众神经兴奋度。
其实《好先生》节奏最快、换场最多的是第一集。前15分钟的戏份尤其典型，平均镜头时间能降到6、8秒之间了。这是真要逼死同行的节奏。
即便是我刚才举的第七集的例子，因为电视剧创作规律上看，中后面节奏会相对降低的，即便如此，第七集也不慢啊！大多数电视剧都是前紧后松，《好先生》在前紧后松的情况下，播到中程仍然没有掉下来速度，很赞。（有网友说这部戏剧情推进慢，其实快慢的概念是相对的，多用“两年后”这种方式跳接导师很快，难道时间推得快就是节奏快么？如果以时间为标准，那美剧《24》小时可能是全世界最慢的电视剧了吧。）
Faster and faster其实是大趋势。
美国商业电影的速度也是在越来越快，国剧跟着全世界产业发展最好的国家走着。
比如《北非谍影》（《卡萨布兰卡》） 1942年制作是812个镜头，102分钟。平均8秒钟一个镜头。1944年获得了奥斯卡最佳影片、最佳导演、最佳剧本。
《盗梦空间》2010年是2730个镜头，155分钟，3秒4一个镜头。当年奥斯卡拿到了包括最佳摄影、视觉效果、影片的7座小金人。
看到这种明显的提速了吧！当然北野武这种类型的不算哈。我们只聊商业片哈。
八 拍摄的低角度和高角度
这种镜头叫做过肩镜头，与普通的正反打不同，这一段对话用的都是过肩镜头，来表达两个人交流的氛围，比较浅的景深则让观众专注于对话。虽然不是了不得的技法，不过也算是这两年国产剧在审美上的一个小突破。比较有意思的是在这个镜头里，王耀庆比甘敬坐得低，而不是像我找的《无耻混蛋》那样，说明前男友孙红雷的突然出现，让这一对在感情当中的地位产生了细微的变化。
下面这又是一个高角度远镜头，陆远与彭海，遥远的阴云天光下，一个失去了味觉与嗅觉的厨子，不得不接受了自己职业生涯终结的死刑。东山再起、回国找女友的大门，彻底关闭。水泥柱切割了海平面，对比庞大丑陋的水泥柱子，两位演员是这么渺小，这么无关紧要。而乌云密布的云层下，只泄露出几道微弱的光线，黑云压城城欲摧的感觉，象征陆远的前景黑暗，唯一几道光线就是身边的好朋友彭海，这也是支持他活着的唯一动力。但后来，连彭海也去世了。看着很压抑，导演对情绪的渲染目的达到了。
其实这个镜头拿掉不要也并不会对情节产生影响，但我认为导演在这场戏里增加一个高角度拍摄的意义不止于炫技。在镜头表达了王耀庆车晓进入后，突然切入一个带有压迫感的上帝视角，暗示这并不是一次愉快的家庭聚餐，而是一场鸿门宴。
这是一个低角度。陆远被流氓打了之后爬起来回家，镜头是从低向高打，表现出底层的困顿挣扎，也暗示着一步一步往上爬之艰辛。
九 暴力美学想起了第四集，陆远与江莱怒砸江浩坤豪宅的戏份。
有一段BGM,导演处理成了慢动作，加入了歌剧一样的背景音乐，特别像文艺片啊，中间这段画风突变，非常有戏剧张力。
其实暴力美学是个广义的、泛审美的概念，并非严格的美学概念，相关作品的主要特点是展示攻击性力量，展示夸张的、非常规的暴力行为。而向来被视为高尚、磅礴、宏大的类似交响乐、歌剧这样的乐章被与暴力画面拉郎配，其反差给观众带来的不仅是视听震撼，也消解了暴力画面引发的观众不适感。
在一些恢弘题材的大电影，尤其是战争电影中，这样的反差还能够引发反思：即人类历史上有多少打着高尚旗号的战争和杀戮，最终被证明都是反文明和非正义的。
暴力美学是电影惯用的手法了，经典案例太多了，简单贴几张截图吧！
《这个杀手不太冷》
《杀手没有假期》
十 色彩的意向给不同场景设置一个相对稳定的色调，不仅能给观众一个直观的情感色彩学，其传递出的意向也能与观众形成一种条件反射式的触发机制。
比如，彭佳禾奶奶家的场景永远是有光的暖色调，而光影方面，也以明亮为主，配以绿色植物，锅碗瓢盆，整体呈现一种温馨的场面。
而在超级富豪江浩坤的家里，一切似乎都被镀金，营造了一种金光闪闪的华丽感
而在美国期间，为了展现陆远背井离乡的他乡感，以及身世飘摇的不确定，美国场景多以金属冷色调为主。
熟练给每个角色一个独特的颜色，营造出最直接的性格色彩，也能展现人物际遇、性格的变化。这个方式也被《甄嬛传》采用，后宫的女人们主要也是从“妆容+服饰颜色+头饰”繁复程度变化，展现一个女人的不同阶段。
而在《好先生》中，甘敬白色，江莱红色，彭佳禾彩色，江浩坤贵族蓝色 ，奶奶家暖色。陆远从美国到中国则呈现一种变色。