练琴的说说
终于弹完肖邦了 还有点小激动呢 ⊙﹏⊙
在惠州什么地方呢
惠州，很多地方都有的啦。。。
所谓的效率练琴，也就是说，两个人同时练习，你练一个小时能达到人家三四个小时的效果。如果你只是个音乐爱好者，可以退出页面不用看我下面的废话了，但如果你是个音乐学习者或希望在某件乐器上有所成就的朋友，不妨仔细看看我下面这些个人见解。
首先科学一点来说，合理分配练习时间，把基本功练习，练习曲，和乐曲这三项的比重合理的把时间分配出来。一般来说，我都建议学生基本功比重最大，其次才是练习曲和乐曲。
基本功是任何一个学乐器的人不可能抛开的基本点。基本功是熟练掌握好自己所学的乐器保持进步最好的方法。那么不可或缺的就是节拍器，除钢琴以外的乐器还有校音器，管弦乐器最好放一面镜子在旁边，用于观察自己的演奏姿势和嘴型是否正确，因为不正确的姿势和嘴型，都不可能达成效率练琴这一说。那么我们想象一下，我们在练基本功时，眼睛盯着乐谱，不时看看校音器或镜子，耳朵听着节拍器，心里最好还能有和节拍器重叠的节奏律动，身体在好的姿势下，去控制乐器，如果这些都能一一兼顾的话，人已经是在一个很专注的状态下去演奏乐器了。基本功本身来说音符简单，节奏单一，我们更有可能去把注意力放在以上几点上。那么，节奏稳不稳，音准好不好，音与音之间的转换是否自然，音色是否统一，就都在脑子里浮现出来了。
而要做到效率练琴，还有一点，就是不要自嗨式练习，音符节奏对错不管，气息手型弓法通通随意，这样的练习方式，等同于在水中生火，即便着了，也持续不了多久。所以我建议，把自己当做自己的照妖镜，一点不完美就请重头开始，即便成功完成后，也不要马上继续下一个内容，而是能够用多次重复复制的方法来固定练习内容，这是在实现效率练琴前最痛苦的阶段，但也是毕经的阶段。当你熬过了这个阶段，我们就可以真正来谈谈关于效率练琴的方法了。
基本功如果能做到上面的一些细节去练习，一段时间后你的专注力和音乐素养都会有很大的提高。说白了就是自己对自己的要求，对音乐的要求变高了，这个时候你演奏出来的东西，本身的起点就不会低了。
接着来说练习曲，练习曲的意义在于，每一首练习曲，都是作曲家通过该乐器的技术特点或难点来针对性谱写的。所以练习练习曲前，我们首先要搞清楚自己练的练习曲，想要让练习者练习的目的在哪里；比如说有的是想锻炼你的耐力，有的是想加强你的连音。然后，一般的练习曲相对枯燥重复，那么这个时候，通过前段说过的针对基本功的练习方法，对音准节奏和对乐器的掌握度都有一定的火候时，至少一首练习曲百分之七八十的内容，是可以轻松完成的，那么剩下的那些，就是这首练习曲里的难点了。还是那句话，不要自嗨式练习。通篇走一遍下来后，用铅笔把难点圈出，针对性的反复练习，再结合前后乐曲的连接，保证把难点磨平以后，基本上一首练习曲的百分之九十就完成了。
还剩下的百分之十，那就是音乐了。每首练习曲都有音量表情记号，这些是做音乐的基本要素。我建议是不要刻意去把表情记号画出来，我见过一些香港的乐手，用不同颜色的记号笔去画各种表情记号，但演奏时做不出来还是做不出来，最夸张的是不同的表情记号用不同颜色的记号笔来标记，然并卵，关键时刻，做不到就是做不到。所以，我一般会让学生夸张练习，就是看到表情记号就神经质的去相应的做强弱对比，这样的音乐听起来不见得合理，但一段时间后，你至少就会对表情记号变得敏感起来。
最后，来说说乐曲。乐曲是学习乐器的人最终目的，那就是演奏音乐。一首乐曲从拿到乐谱到可以上台表演，需要经过三个阶段。第一阶段，熟悉乐曲；拿到乐谱的第一件事不是马上用乐器练习，而是先唱先听。现在基本上要想找到各种乐器乐曲的音频视频资料都不是难事，先拿着乐谱去听，用铅笔把分句和气口画出来，然后对着乐谱反复多唱几遍，对曲子有一个比较清晰的了解。有时间当然也可以去查找下作曲家的背景年代，更多层面的去了解乐曲。做完这些准备后，我们就可以进入第二个阶段了。
第二个阶段，是练习期，这个阶段大致和练习曲的练习方法一致，补充一个很关键的点，那就是“慢练”“慢练”“再慢练”(重要的事情说三遍)。美国伊斯曼音乐学院的一位教授教过我一个理论:“五十遍正确的慢练，一遍正常速度的练”。所有的乐器练习都是记忆性练习，如果练习者一开始演奏时有存在错误的音或节奏，一旦形成习惯后，改起来很不容易。所以，慢速的练习下，所有的问题都能更有效的去反应和掌握，往往通过反复的慢练后，一些程度达不到的技术难点，在回到原速后也会变得没那么困难了。经历过第二个阶段后，这首乐曲的整体框架已经基本构建完成了。
最后一个阶段，塑造期。一般练习一首乐曲一段时间后，都会出现疲劳期，审美疲劳。特别是乐曲的技术障碍都基本解决后，那么这时候我们则要去给乐曲加工润色了。塑造期要下功夫的在于两个方面，音色和音乐。
先说音色，好的音色是演奏者自己脑子里有所想象才能形成的。通过大量的基本功和练习曲垫底，这个时候已经能对乐器掌握和基本音色有所把控，但要形成属于自己又被大家认可的音色，首先脑子里得有这种概念。我说两个例子:
一，我们常见到音乐学院里有那种“练琴狂魔”，我见过最夸张的几乎连晚上睡觉都睡在琴房里了。但可悲的是，无论多么大量的练习，脑子里没有好的声音概念，演奏出来的音乐还是不好听。这种好听的音色不仅仅是让内行人觉得好听，很关键的是让外行人也觉得好听。外行人才不会管你演奏的是莫扎特还是贝多芬，人家只会被声音和旋律所吸引，所以吸引人们对你演奏的音乐感兴趣，首先你得有打动人的音色。
二，大学时参加过一个夏令营。那年的驻团钢琴家是勃朗夫曼和阿格里奇，关于这两位音乐家的成就与背景，你们完全可以百度出来。有一天是两位大师先后跟乐队和伴奏。先是勃朗夫曼的《贝五》钢协，做为一个欧洲各大主流乐团每年都会有演出合约的钢琴家，当然是很棒的排练了，无可挑剔，无论技术还是音色都是绝对赏心悦目，何况还是贝五钢协那么著名的曲目。然后换成阿格里奇的《贝一》钢协，说实话稍微有点冷门的作品，中间休息时看到阿格里奇跟调琴师时耳语了几句，调琴师按她的吩咐调整了一会，然后她上琴，第一个触键下去，整个排练厅都安静了。同一台施坦威，出现了完全不同的一种音色，太美妙了，所有人都屏住呼吸去聆听她的弹奏，仅仅只是活动手指而已。这不仅仅是调琴师的功劳，而在于演奏家本身对音色想象和乐器的掌控。真正好的音乐家会知道怎么去调配乐器的音色，而达到自己的理想效果，这些不是光靠练习能出得来的，而是需要思考和想象。不然，为什么再小规模的音乐会，演奏者或乐团都需要走台呢；走台的目的不在于多一次练习的机会，而是通过舞台或剧院的现有条件，通过演奏者的理解和对乐器的掌控，找到最完美的音响效果和音色罢了。
然后，我们来说音乐。这里分享两句话，估计任何一个对音乐其定义的书上都会有。1.音乐源自于生活。2.音乐是一种语言。
我们练习乐器最终的目的不是演奏乐器，也不是乐谱搬运工。我们是在演奏音乐。那么音乐就需要情感和内容。关于第一句话，生活是什么，无非就是七情六欲，柴米油盐，所以到了这个阶段塑造音乐，我们要去尝试的为乐曲谱写自己的故事。有标题的音乐可以围绕标题去讲故事，没有标题的话，那就天马行空好了；比如说贝多芬的《月光》钢琴奏鸣曲，和德彪西的《月光》。这两个相差近两百年左右的音乐家，想表达的月光是同一个画面吗？我们甚至可以不去结合时代历史背景来理解这两首乐曲的不同，但至少，在你演奏这两首作品时，通过旋律和声，你脑海里应该会有完全不同的两种画面吧，哪怕都是满月，那么月下的情景和人物呢？
总之，乐曲这个时候在你脑海里每一段都有鲜明生动的形象和画面出现，那么这首曲子你就是演奏几百上千遍你也不会闷的。而关于第二句话，我的理解是，把你手中的乐器想象成一支麦克风，我们通过大量练习的目的，无非是把心中的音乐“唱”出来。只是不同乐器，这种演唱的方式不一样而已。基本功练习曲也练了，乐曲也过了磨合期了，故事画面也有了，剩下的就是看你怎么来唱，或者说怎么来讲这个故事了。这个时候，你会发现，任何一个表情记号都能恰到好处的和你的故事融合在一起，你在享受音乐的同时，也会对作曲家有更深层次的敬畏和了解，有时候，与其花时间去一遍遍的毫无目的重复练习，不如放下手中的乐器，读几篇唐诗宋词，或者拜伦的诗来得实际，因为音乐根本就一种语言的艺术，你只有声情并茂的去朗读断句，才能体会其中的韵味和涵义。
做为一个学习音乐的人或音乐家，音乐绝不仅仅只是局限于古典音乐，无论中国还是西方音乐，从古代走到今天，各种乐器都在随之进化，千万不要有音乐上的歧视链。什么通俗流行不如古典，爵士比其他一切都高级之类的幼稚想法。没有古典，哪来的流行和爵士，反而言之，贝多芬第五交响曲和第九交响曲之类的，何尝不是那个时代的摇滚呢？
说白了，很多事情我们想有所成就，必须经历“简单--复杂--再简单”三个阶段，所谓的效率练琴，也就是经历过一切所知的复杂程序后，习惯成自然，回归到音乐本身的结果，这些东西说来轻松，要想做到，非常的难。别把目标定太高，比如说以哪个音乐家演奏家为目标，那都是扯淡。我们可以用跑马拉松的方法来借鉴，以一个比较短的距离来做为目标。比如说，我用两周的时间来解决适应节拍器的问题之类的小目标。练习乐器最大的痛苦，就是你今天发奋练习的目标，可能要在几天甚至几周后才能看到成效。而现今社会的整体浮躁情绪下，要做到这点。真的太难太难。所以，真正能做到效率练琴的人，必须得学会先思考后练习。我也经历过那么一段“思考三小时，练习一小时”的阶段。心里没有具体的所想和有效方法的辅助，练习乐器往往都是一种受打击，然后提高自信后又继续受打击的恶性循环。
学习乐器加从事这个行业已经二十多年，真正体会到这点并能够在练习中完全实践的时候，自己早已过了黄金年龄，但俗话说“活到老，学到老”，什么时候真正动起来都不会晚。中国有句老话，“光说不练假把式，光练不说傻把式”，别做行动上的矮子。啰啰嗦嗦说了这么多，和大家分享，希望一起共勉。
最后，追加一个现有条件下最简单明了的效率练琴方法，那就是模仿加对比，当你对自己学习的乐器本身的音色或特性不是那么了解的时候，多去聆听比你好的人或者大师们演奏的音频视频，模仿他们的音色与音乐处理，本身也是一种事半功倍的方法。还有就是多多利用录音设备，你身处于演奏乐器的时候，不能发现问题很正常，但当你录下来后，回过头来仔细听，你就会发现自身的毛病和问题。不耻下问，把自己当做一块干海绵一样去吸收水分，永远不要把自己摆到一个比较高的位置，这时候，你的所有练琴时间看起来，都会是有效率有意义的。
原文地址：说说手风琴的练琴方法作者：杭州莱多乐器有限公司
浅谈手风琴的练琴方法
我们都知道，要想形成一种技能、获取一种技巧，都必需依靠和运用一定的方式方法，并经过反复的磨练才能达到巩固和成熟的地步。对于一些高级精湛的手风琴演奏技巧，则更需要科学而有效的练琴方法的支撑。
在学习中，
我们不仅要从老师那里学习到很多正确的练琴技巧要领和具体的弹琴演奏方法，更要学会获取这些演奏技巧的正确练习方法。也就是说求知以“鱼”不如获知以“渔”。
但在现实生活中，不会正确的练琴方法是我们在手风琴学习中普遍存在的共同问题，最直接的表现就是，花费很长的练琴时间，都不能高重量的完成一首作品。除了老师给我们布置的作品数量过多、难度过大或是自己“没用功”之外，更本质的表现就是——我们学生不知道自己该怎么练琴！
精湛的手风琴弹奏技术的获得有多种方式和不同的途径，但正确练习手风琴的方法确是必不可少的，更是事半功倍的。得到手风琴界专家学者们以及一些业内权威人士的普遍认同的练琴方法有
“重复的练习” 、“慢速的练习”、 “分解的练习”、“ 变化的练习”等。
王朝刚老师在《器乐表演技能教学新论》一书中提到，将器乐学习中，包括西洋乐器键盘乐之王的钢琴、被誉为“背在肩上乐队”的手风琴、中国古典民族器乐的古筝、琵琶、二胡等各种乐器。其正确练习方法被归纳为“敏锐的听觉监督”、“及时的反馈调整”、“理智的重点练习”、
“耐心的慢速练习”等九个方面的要点。这些方法和要点是专家们结合前人奠定的成果及他们自身教学实践经验的概括和总结，具有广泛的实用性和有效性。这就是说，我们在练习手风琴的过程中，要多用脑袋和方法解决问题，而不是盲目的勤奋练琴和一味的蛮练来解决自身所出现的问题。
这会导致我们学琴者在投入很多时间和精力下做无用功。所以我们要结合自身特点，用以上提出的正确练琴方法方提高自己手风琴弹奏技能。从而更准确的把握每一首手风琴作品。
请问想练什么琴呢？